Pintura con sentimiento: Barco de esclavos en la tempestad

Mi opinión es que una obra de arte debe provocar un sentimiento en la persona que la mira. Pueden ser sentimientos agradables, impactantes, sorprendentes, imaginativos, que nos recuerden una historia... También pueden ser sentimientos de angustia, miedo, repulsa, asco... Si ves un cuadro y te quedas igual, para mi modo de entender no es artístico.

En 1783 un barco de esclavos tiró por la borda al mar a personas enfermas. Supongo que no sería un caso aislado, sino una práctica usual, pero este caso se hizo público. En 1840 Turner presentó una pintura que trataba este hecho. Me impactó mucho y decidí pintarla.

Este es el resultado. Lo terminé en 2011:

El mar se come al barco. Fieras marinas, olas, nubes, el mar que parece que arde, luz y oscuridad. Hay que fijarse bien para ver las cadenas, la sangre en el agua, los cadáveres.

No intenté hacer una copia del original. No sé si lo hubiera conseguido. Lo que me propuse en pintar la misma escena de mi manera. Me gusta utilizar todos los colores en una misma obra, con soltura, un poco a lo loco. La forma pierde importancia en relación al impacto de los colores.

Me gustó pintarlo y me gusta cuando la veo.

Paisaje con camino, mujer y montañas

Exposición de obras de Turner en el Museo del Prado en Madrid, junio de 2010. Turner es uno de mis pintores favoritos, así que me las arreglé para organizar un viaje y allí estaba yo, más feliz que un niño con zapatos nuevos.

Muy buena exposición. Me llamó mucho la atención esta obra que decidí pintar. Se titula Chateau de St. Michael Bonneville, Savoy. En parte me decidí por éste porque otros que me gustaron mucho excedían de mis capacidades y no está uno para pasarlo mal pintando. Es un paisaje que pintó Turner cuando cruzaba Suiza de camino a Italia.

Así es como quedó:

Lo terminé en junio de 2011. Un año después de la exposición. No es que sea precisamente un pintor prolijo.

Me costó trabajo conseguir la muestra. Sólo tenía una foto muy chica del catálogo de la exposición. Busqué por internet, pero es una obra de las menos famosas y no conseguí una foto con la calidad suficiente. Llegué a localizar el museo en el que se expone de forma permanente, que resultó ser uno de Nueva York. Les mandé un e-mail en mi "perfecto" inglés pidiendo una foto. Mi esperanza era que amablemente hicieran una foto y me la enviaran por e-mail. Me contestaron que me vendían el poster. Al principio les dije que OK, pero después resultó había que añadir los costes de embalaje, envío y aduana, con lo que se duplicaba el precio. Reflexionando sobre este tema decidí que mi imaginación y dotes artísticas compensaran la baja calidad de las fotos que tenía, así que amablemente rechacé el intercambio comercial. Fue una experiencia interesante intercambiar mensajes con varias personas del museo.

Volviendo a la pintura, lo que me atrajo fue la variedad de colores (verdes, ocres, azules), la profundidad, la perspectiva con el camino intencionadamente desplazada del centro, la oscuridad del edificio de la derecha que hace que resalte la claridad a la izquierda. Cómo las sombras y la luz varía el color de las cosas. Y la mujer andando sola, que da vida a la composición. 

Cuando pinto, me imagino cómo la persona que vea la pintura por primera vez recorrerá su vista por el cuadro. Pienso que ésto es importante porque el efecto o sensación que perciba será mejor si en este recorrido va descubriendo cosas que le gusten. 

Creo que en esta pintura, lo primero es seguir con la vista el camino hasta el final. Después la vista se eleva hasta la montaña del fondo, pasando por los bosques de variados tonos verdes. El cielo, las nubes, la montaña de la derecha, inmensa, imponente, la vista cae al valle, al pueblo. Ahora uno se empieza a fijar en los detalles, el campanario de la Iglesia, el río, los campos de cultivo, el edificio algo misterioso de la derecha. Por el título sé que es un molino, pero podría ser un castillo. Y la mujer ¿a dónde irá?

Pintura de ramo de flores

Cuando me planteo qué pintar suelo llevarme por un impulso y pinto lo que me apetece. Muchas veces para probar algo nuevo, otras porque he visto una pintura que me gusta y me apetece copiarla, ahora en formato pequeño, después en formato grande ... En la variedad está el gusto. 

Nunca había pintado por encargo o porque alguien me sugeriera algún tema. Pero se acercaba el cumpleaños de mi madre, gran admiradora de mis pinturas y me pareció buena idea regalarle una hecha exprofeso.

Allí estaba yo, en la floristería seleccionando flores chulas. En mi casa les hice varias fotos, ya que con lo que tardo en pintar seguro que sus colores y sus formas iban a ir variando antes de la terminación de la obra.

Lo terminé en octubre de 2010, a tiempo para el cumpleaños.

Como regalo no está mal, no? Es uno de los pocos que tiene mi firma y no está en mi casa. Como ya expliqué antes, no me gusta firmar las obras.

Lo más complicado que recuerdo es hacer ver los pétalos individualmente ya que como tienen el mismo color se mezclaban con el pétalo de al lado y todo quedaba como una misma masa. También tiene su complejidad dar el volumen para que se entienda cada flor en tres dimensiones y la posición relativa de una respecto la otra. La personalidad de la obra está marcado por las luces, las sombras y la variedad de colores que esto produce.

Es bonito y se puede estar un rato viéndolo porque tiene muchos detalles. 

Por cierto, no fue un regalo barato, que el marco y los materiales cuestan lo suyo.

Continuación del estudio de la anatomía humana: La Prima

Picasso pintó varias versiones de un mismo tema. Otros pintores famosos también hicieron lo mismo, así que ¿por qué no hacerlo yo también? Cuando ellos que saben tanto de pintura lo han hecho por algo será.

Así que me dispuse a hacer una versión de mi anterior pintura. ¿Por qué de ésta y no de otra? Pues porque disfruté mientras la hacía, de lo que deduje que también disfrutaría haciendo una versión. Además quería probar cambios en el color y esperaba que con la práctica que ya tenía, pudiera obtener mejores resultados, sobre todo en el cuerpo de la mujer y en el velo.

Aquí está el resultado. Lo terminé en abril de 2010.

Lo conocemos como “La Prima” porque, aunque quería que fuera la hermana gemela de la pintura anterior, no llegó a tener un parecido ni de hermana. Cambié el color del velo, ya que en el original había mucho verde. Lo cambié a tonos azules-lilas-morados, así como el cielo. Creo que el velo ganó en vaporosidad.

También quise probar cómo quedaría un punto luminoso detrás de la mujer, que capta la atención y desvía la vista hacia el horizonte-mar-cielo.

El mar lo dejé igual, verde. Creo que queda un poco raro el conjunto, ya que el color del mar es en gran parte el reflejo del cielo, y aquí pues no, es otra cosa (lección aprendida para el futuro).

Cuando uno tiene hijos, se debe evitar compararlos. No está bien decir, por ejemplo, mi hijo mayor es más listo, pero el menor más guapo. Y mucho menos decir: prefiero a mi hijo mayor. No, nunca se debe hacer esto. Pero como las pinturas no tienen sentimientos diré que prefiero la pintura primera, la verde. La segunda tiene algunas cosas mejores, pero en su conjunto creo mejor la primera.

Si alguien que lea esto tiene su propia opinión, me gustaría mucho que la pusieran en los comentarios. Tengo mucha curiosidad.

Por cierto, fue una experiencia muy buena el hacer una versión de una pintura anterior. Se aprende mucho y es muy divertido. Os lo recomiendo.  

Practicando la anatomía humana: Mujer sobre mar verde

Estaba comenzando el verano de 2009. Normalmente en verano dispongo de más tiempo libre para pintar, así que me planteé un nuevo reto: una pintura de anatomía humana, pero esta vez de frente y cuerpo completo.

Previamente me había comprado un libro para tener los conceptos básicos: las proporciones, los músculos que forman el cuerpo y que hay que modelar en la pintura, los diferentes colores de la piel y cómo conseguirlos. Todo esto es un mundo.

Busqué por internet un poster de una pintura famosa que me gustara, la compré y a pintar a escala 1:1. El original fue pintado por William Bouguereau en 1882 y se titula Evening Mood.

Aquí está el resultado, terminado en septiembre de 2009:

Mide 90x46 cms y está pintado al óleo. He de reconocer que me costó mucho trabajo obtener el volumen del cuerpo hasta que el resultado llegó a ser el que yo quería (más o menos). Lo que me costó más trabajo, que tuve que rehacer varias veces, incluso a veces empezando desde el principio (borrándolo todo) fue la cara. Que todo estuviera en su sitio con las proporciones y expresión adecuadas resultó ser muy complicado.

De lo que estoy más satisfecho es de la volatilidad y diferentes grados de transparencia de la tela y volumen y proporciones del cuerpo.

Una obra muy bonita, o al menos esta es mi opinión. 

Paleta de colores en bosque

A estas alturas de mi carrera artística (o algo parecido) ya había pintado un poco de todo: copias de obras de pintores famosos, pintar una foto, pintar del natural, pintar con óleo y acrílico, paisajes, marinas, personas ...

Como para aprender y para pasármelo mejor me gusta hacer cosas diferentes, en esta ocasión decidí pintar algo que estuviera en mi cabeza, de inspiración.

Me gustan los colores, así que tenía que ser algo con muchos colores, todos los colores, que además me sirviera de muestra para futuras pinturas. También quería que tuviera forma, que fuera algo, o sea, no un cuadro abstracto. Solución: bosque visto desde lejos. 

Lo terminé en mayo de 2009.

Creo que están todos los colores. Normalmente los árboles son verdes, pero también toman un color ocre en otoño, algunos toman color rojizo en varios tonos. El azul tenía que estar, así que algunos árboles son azules, aun la verdad es que no sé de que especie serán.  Hay flores azules, ¿pero árboles? Esta circunstancia no debe poner limitaciones en la libre expresividad del pintor. 

Variedad de colores y variedad de escenarios; bosque frondoso, espeso, tupido y de árboles más dispersos que se identifican individualmente. Luminosidad central en zona abierta, tal vez sea el huerto de la familia que vive en la casa.

Me lo pasé bien pintándolo y me gusta cada vez que lo miro.

Pintura mitologica de mujer que despide a su amado ahogado en el mar

Ahora le toca el turno a esta pintura que terminé en diciembre de 2008. Me apetecía pintar algo mitológico, que era un tipo nuevo para mí. Tomé para mi inspiración una obra de Turner titulada "The Parting of Hero and Leander". 

Este es uno de mis cuadros favoritos. Es complejo, con varias escenas, variedad de colores, movimiento, expresivo, metafórico. La espuma de las olas de la derecha tienen forma de fantasmas. La mujer está desconsolada porque su amado se ha ahogado y se lamenta antes de lanzarse al mar. 

¿Qué aprendí esta vez? La importancia de elegir bien el tamaño del lienzo. El original tiene unas medidas de 146 x 236 cms. Yo elegí un lienzo de 39 x 48 cms. 

Vale que pinté una parte del original, excluyendo unas edificaciones que estaban a la izquierda. Aún así, el lienzo era demasiado pequeño. No caben tantas cosas. Tuve que utilizar pinceles finos que rápidamente se quedaban sin pintura, siendo los trazos obligatoriamente cortos. Un pequeño error de un milímetro se nota mucho. 

Si el lienzo es grande es más fácil pintar y el resultado más impactante. Pero es más caro y hay que tener una buena pared libre para después exhibir la obra.

Es un tema que merece la pena pensarlo bien antes de ponerse manos a la obra. 

Bodegón con botella de vino, copa, pimiento, fruta y tela

En esta ocasión, aprovechando que era verano y que tenía más tiempo para pintar, decidí pintar algo del natural, sin fotos ni copiando de cuadros famosos. Pensé pintar a una persona, algo de anatomía humana, pero ante la falta de voluntarios y voluntarias, no tuve otro remedio que pintar naturaleza muerta o bodegón. 

Así que dispuse una serie de objetos que encontré por mi casa, me monté una composición y aquí está el resultado:

Lo finalicé en agosto de 2008.

Tenía ganas de pintar algo de cristal, con sus transparencias y brillos, así que elegí una botella de color verde y una copa transparente. Me gustan los colores, pues a poner manzanas rojas y amarillas y un pimiento. Las peras es que son muy bonitas; si te fijas bien tienen gran variedad de tonos de verdes y ocres. Además, según les da la luz, estos colores cambian.

La tela blanca no lo es tanto. Toma el color de lo objetos que tiene encima, tiene sombras que le son ajenas y sombras propias en las arrugas. Disfruté mucho pintando la tela, al ver cómo iba tomando volumen y textura.

Los peores momentos los pasé pintando la botella por la enorme dificultad que encontré para que fuera simétrica (sin conseguirlo del todo). También me resultó complicado hacer que las cosas se vean sobre la tela y no levitando en el espacio.

Por cierto, al final tuve que hacer una foto y pintar desde la foto porque de un día a otro las arrugas se movían y las frutas se me estaban pudriendo. Qué complicado es todo.

Continuar aprendiendo de los Grandes Maestros: Pintura de la nieve con pájaro

Esta pintura la terminé en octubre de 2007. Ya llevaba 5 años en esto de la pintura, o mejor dicho, desde que se me dio por pintar mi primer cuadro de óleo. Pensé pintar algo nuevo para mí, que fuera de estilo diferente a mis pinturas anteriores, como por ejemplo, un paisaje de nieve. Tomé como modelo uno pintado por Monet. Aquí está el resultado:

Aunque a mí me gustan más las pinturas con mucha variedad de colores, reconozco que las pinturas monocromáticas tienen su encanto. En ésta en concreto, con poca variedad de azules, blancos y grises se llena el lienzo de cosas muy variadas (nubes, suelo, árboles, edificio), y se da perspectiva y volumen. 

La nieve, que por naturaleza es blanca, en la pintura tiene variedad de colores porque depende de los colores de las cosas que le rodean y de la cantidad de luz que le llega. Esto ocurre con todos los objetos, es decir, aunque pintara una mesa de madera, su color puede variar según los objetos que le rodean, de los reflejos y de la luz que le dé. En un material reflectante como es la nieve, este efecto está acentuado.

El detalle de la urraca azul es muy simpático. Es interesante su situación un poco a la izquierda del punto del horizonte, que es a donde se nos va la vista cuando observamos la obra guiados por la dirección de la valla, los árboles y la casa.

Es divertido e instructivo hacer pruebas con la pintura y fijarse cómo los grandes artistas, como en este caso Monet, han traducido al lienzo lo que vemos.

Pintura de paisaje con río y bosque

La obra que aquí presento ahora es un paisaje real al que hice una foto. Tenía interés en practicar algo nuevo para mí, como era el pintar agua en el que se reflejara algo, o sea, que no fuera como el mar.

La terminé en enero de 2007.

Esta pintura me costó mucho trabajo. Recuerdo que es una de las obras que me costó más trabajo, ya que no me convencía el resultado y cambiaba cosas y hacía pruebas y nada, para nada.

El profesor de pintura, que para eso es profesor porque sabe mucho, me dijo que oscureciera el fondo del río en la zona de las sombras. Esto hizo que el resto del río luciera brillantemente y que la composición ganara en variedad cromática. Ahora sí que dice algo.

Me gustan los colores, así que a pintar flores de colores encima del verde. Con alegría y a disfrutar.

En la parte derecha quise pintar una roca con una forma singular que está en el jardín de mi casa. No hubo manera. Después de muchos intentos y correcciones, la roca fue borrada. No acababa de encajar. No, para nada.

Esto es una cosa buena que tiene la pintura, que te da libertad para poner y quitar, cambiar las formas y los colores, hacer lo que quieras. Lo importante es que cuando lo tengas terminado pienses "qué bien me ha quedado y qué bien me lo he pasado pintándolo"