Practicando la anatomía humana: Mujer sobre mar verde

Estaba comenzando el verano de 2009. Normalmente en verano dispongo de más tiempo libre para pintar, así que me planteé un nuevo reto: una pintura de anatomía humana, pero esta vez de frente y cuerpo completo.

Previamente me había comprado un libro para tener los conceptos básicos: las proporciones, los músculos que forman el cuerpo y que hay que modelar en la pintura, los diferentes colores de la piel y cómo conseguirlos. Todo esto es un mundo.

Busqué por internet un poster de una pintura famosa que me gustara, la compré y a pintar a escala 1:1. El original fue pintado por William Bouguereau en 1882 y se titula Evening Mood.

Aquí está el resultado, terminado en septiembre de 2009:

Mide 90x46 cms y está pintado al óleo. He de reconocer que me costó mucho trabajo obtener el volumen del cuerpo hasta que el resultado llegó a ser el que yo quería (más o menos). Lo que me costó más trabajo, que tuve que rehacer varias veces, incluso a veces empezando desde el principio (borrándolo todo) fue la cara. Que todo estuviera en su sitio con las proporciones y expresión adecuadas resultó ser muy complicado.

De lo que estoy más satisfecho es de la volatilidad y diferentes grados de transparencia de la tela y volumen y proporciones del cuerpo.

Una obra muy bonita, o al menos esta es mi opinión. 

Paleta de colores en bosque

A estas alturas de mi carrera artística (o algo parecido) ya había pintado un poco de todo: copias de obras de pintores famosos, pintar una foto, pintar del natural, pintar con óleo y acrílico, paisajes, marinas, personas ...

Como para aprender y para pasármelo mejor me gusta hacer cosas diferentes, en esta ocasión decidí pintar algo que estuviera en mi cabeza, de inspiración.

Me gustan los colores, así que tenía que ser algo con muchos colores, todos los colores, que además me sirviera de muestra para futuras pinturas. También quería que tuviera forma, que fuera algo, o sea, no un cuadro abstracto. Solución: bosque visto desde lejos. 

Lo terminé en mayo de 2009.

Creo que están todos los colores. Normalmente los árboles son verdes, pero también toman un color ocre en otoño, algunos toman color rojizo en varios tonos. El azul tenía que estar, así que algunos árboles son azules, aun la verdad es que no sé de que especie serán.  Hay flores azules, ¿pero árboles? Esta circunstancia no debe poner limitaciones en la libre expresividad del pintor. 

Variedad de colores y variedad de escenarios; bosque frondoso, espeso, tupido y de árboles más dispersos que se identifican individualmente. Luminosidad central en zona abierta, tal vez sea el huerto de la familia que vive en la casa.

Me lo pasé bien pintándolo y me gusta cada vez que lo miro.

Pintura mitologica de mujer que despide a su amado ahogado en el mar

Ahora le toca el turno a esta pintura que terminé en diciembre de 2008. Me apetecía pintar algo mitológico, que era un tipo nuevo para mí. Tomé para mi inspiración una obra de Turner titulada "The Parting of Hero and Leander". 

Este es uno de mis cuadros favoritos. Es complejo, con varias escenas, variedad de colores, movimiento, expresivo, metafórico. La espuma de las olas de la derecha tienen forma de fantasmas. La mujer está desconsolada porque su amado se ha ahogado y se lamenta antes de lanzarse al mar. 

¿Qué aprendí esta vez? La importancia de elegir bien el tamaño del lienzo. El original tiene unas medidas de 146 x 236 cms. Yo elegí un lienzo de 39 x 48 cms. 

Vale que pinté una parte del original, excluyendo unas edificaciones que estaban a la izquierda. Aún así, el lienzo era demasiado pequeño. No caben tantas cosas. Tuve que utilizar pinceles finos que rápidamente se quedaban sin pintura, siendo los trazos obligatoriamente cortos. Un pequeño error de un milímetro se nota mucho. 

Si el lienzo es grande es más fácil pintar y el resultado más impactante. Pero es más caro y hay que tener una buena pared libre para después exhibir la obra.

Es un tema que merece la pena pensarlo bien antes de ponerse manos a la obra. 

Bodegón con botella de vino, copa, pimiento, fruta y tela

En esta ocasión, aprovechando que era verano y que tenía más tiempo para pintar, decidí pintar algo del natural, sin fotos ni copiando de cuadros famosos. Pensé pintar a una persona, algo de anatomía humana, pero ante la falta de voluntarios y voluntarias, no tuve otro remedio que pintar naturaleza muerta o bodegón. 

Así que dispuse una serie de objetos que encontré por mi casa, me monté una composición y aquí está el resultado:

Lo finalicé en agosto de 2008.

Tenía ganas de pintar algo de cristal, con sus transparencias y brillos, así que elegí una botella de color verde y una copa transparente. Me gustan los colores, pues a poner manzanas rojas y amarillas y un pimiento. Las peras es que son muy bonitas; si te fijas bien tienen gran variedad de tonos de verdes y ocres. Además, según les da la luz, estos colores cambian.

La tela blanca no lo es tanto. Toma el color de lo objetos que tiene encima, tiene sombras que le son ajenas y sombras propias en las arrugas. Disfruté mucho pintando la tela, al ver cómo iba tomando volumen y textura.

Los peores momentos los pasé pintando la botella por la enorme dificultad que encontré para que fuera simétrica (sin conseguirlo del todo). También me resultó complicado hacer que las cosas se vean sobre la tela y no levitando en el espacio.

Por cierto, al final tuve que hacer una foto y pintar desde la foto porque de un día a otro las arrugas se movían y las frutas se me estaban pudriendo. Qué complicado es todo.

Continuar aprendiendo de los Grandes Maestros: Pintura de la nieve con pájaro

Esta pintura la terminé en octubre de 2007. Ya llevaba 5 años en esto de la pintura, o mejor dicho, desde que se me dio por pintar mi primer cuadro de óleo. Pensé pintar algo nuevo para mí, que fuera de estilo diferente a mis pinturas anteriores, como por ejemplo, un paisaje de nieve. Tomé como modelo uno pintado por Monet. Aquí está el resultado:

Aunque a mí me gustan más las pinturas con mucha variedad de colores, reconozco que las pinturas monocromáticas tienen su encanto. En ésta en concreto, con poca variedad de azules, blancos y grises se llena el lienzo de cosas muy variadas (nubes, suelo, árboles, edificio), y se da perspectiva y volumen. 

La nieve, que por naturaleza es blanca, en la pintura tiene variedad de colores porque depende de los colores de las cosas que le rodean y de la cantidad de luz que le llega. Esto ocurre con todos los objetos, es decir, aunque pintara una mesa de madera, su color puede variar según los objetos que le rodean, de los reflejos y de la luz que le dé. En un material reflectante como es la nieve, este efecto está acentuado.

El detalle de la urraca azul es muy simpático. Es interesante su situación un poco a la izquierda del punto del horizonte, que es a donde se nos va la vista cuando observamos la obra guiados por la dirección de la valla, los árboles y la casa.

Es divertido e instructivo hacer pruebas con la pintura y fijarse cómo los grandes artistas, como en este caso Monet, han traducido al lienzo lo que vemos.

Pintura de paisaje con río y bosque

La obra que aquí presento ahora es un paisaje real al que hice una foto. Tenía interés en practicar algo nuevo para mí, como era el pintar agua en el que se reflejara algo, o sea, que no fuera como el mar.

La terminé en enero de 2007.

Esta pintura me costó mucho trabajo. Recuerdo que es una de las obras que me costó más trabajo, ya que no me convencía el resultado y cambiaba cosas y hacía pruebas y nada, para nada.

El profesor de pintura, que para eso es profesor porque sabe mucho, me dijo que oscureciera el fondo del río en la zona de las sombras. Esto hizo que el resto del río luciera brillantemente y que la composición ganara en variedad cromática. Ahora sí que dice algo.

Me gustan los colores, así que a pintar flores de colores encima del verde. Con alegría y a disfrutar.

En la parte derecha quise pintar una roca con una forma singular que está en el jardín de mi casa. No hubo manera. Después de muchos intentos y correcciones, la roca fue borrada. No acababa de encajar. No, para nada.

Esto es una cosa buena que tiene la pintura, que te da libertad para poner y quitar, cambiar las formas y los colores, hacer lo que quieras. Lo importante es que cuando lo tengas terminado pienses "qué bien me ha quedado y qué bien me lo he pasado pintándolo"

Pintura en acrílico de paisaje con árbol de la sierra de Huelva

Siguiendo con el orden cronológico de mis pinturas, ahora me toca presentar esta:

La terminé en marzo de 2006.

Una de las fotos que tomé paseando por el campo me pareció interesante para interpretarla en el lienzo. Digo interpretarla porque cambié los colores y las formas.

Tenemos tres planos: el de frente, el del medio y el fondo (además del cielo que preferí ponerlo de un solo color liso para no recargar más la composición).

En el primer plano hay rocas, tierras, rojas, azules, moradas... Un poco de reflejo del sol en la hierba lo une con el segundo plano, exageradamente amarillo en algunos puntos.

El fondo se cae el lado. Esto le da movimiento. Lúgubre fondo del bosque con misterios escondidos. Más rojos, ocres, árbol con forma de mujer. Me gustan las pinturas con variedad cromática.

En el centro un poco desplazado, el protagonista, el árbol seco que destaca por su posición y por ser el único que no tiene hojas. Son encinas, o sea, de hojas perennes. En la realidad sí tenía hojas. Al pintarlo, primero pinté el tronco y las ramas principales. Al ver el resultado me gustó y pensé que pintar las hojas no lo iba a mejorar y es posible que lo empeorase, así que lo dejé como está. Le da dramatismo.

Es curioso como el proceso de elaboración de la pintura te va llevando por unos caminos que desconoces al empezar y cómo la inspiración, la intuición y diferentes sensaciones te van guiando.

Mi octava pintura: Acantilado

Continuando con mi aprendizaje, en esta ocasión me decidí a pintar una obra de Monet. Está pintada con acrílico. Era una de las primeras veces que utilizaba este material. Se consiguen unos colores muy vivos y es más limpio y fácil de manejar que el óleo. A mí me gusta más el óleo por la forma que se mezclan los colores y por la textura del material que se aplica mejor. Pero es bueno conocer las diferentes formas de pintar para usar el que más se adapta al estilo de cada uno o al motivo en concreto que se está pintando. 

Éste es el resultado:

La terminé en diciembre de 2005

De esta obra me resulta interesante la variedad de colores en la pared del acantilado; hay amarillos, verdes, azules, rojos, morados..... Interesante la manera de tratar los volúmenes y perspectiva para que se entienda bien la forma del acantilado.

Las sombras con azules también son curiosas. Yo las hubiera pintado grises o tierra oscuro, pero Monet va y las pone azules, como el cielo y el mar.

La parte de arriba del acantilado ocre-rojizo contrasta con el cielo.

Esta es una de esas pinturas con las que uno disfruta pintando.

Tejados de pueblo o como aprender practicando

Un día el profesor dijo que practicásemos pintando de una foto (el profesor de las clases-taller que asistía como ya comenté en otro artículo). Yo elegí una foto tomada en un pueblo de la sierra de Huelva.

Pintar desde una foto es diferente que pintar tomando como modelo una obra de un pintor famoso. En este último caso ya están resueltos muchos temas. Si se parte de una foto, la interpretación de cómo traducirlo a pintura la tiene que hacer uno mismo, a no ser que el estilo sea realista.

Arriba está el resultado. La terminé en junio de 2005. Un compañero de la clase me preguntó si el árbol era un laurel. No sé porqué tendría que ser un laurel si es claramente un naranjo, ¿no?

Ciertamente no es uno de mis trabajos del que estoy más orgulloso, por decirlo fino. Pero para aprender y practicar está muy bien.

Descubrí varias cosas. A la hora de elegir un motivo es mejor que tenga gran variedad de colores. Tantas tejas en el primer plano no dicen gran cosa, teniendo además un color tierra nada atractivo. Para practicar la mezcla de colores me vino bien; ahora le pongo un poco de amarillo a ver qué pasa, ahora un poco de laca carmín, ahora azul. La verdad es que es divertido hacer pruebas. 

El campo del fondo tan verde tampoco aporta gran cosa. Tal vez lo más interesante es cómo dar volumen a las montañas y hacer ver qué zonas tienen árboles y cuales sólo hierba.

Bueno, tal vez lo importante no sea a dónde se llega sino a andar el camino y lo que se aprende mientras tanto.

Mujeres paseando por la playa

Continuando en mi proceso de aprendizaje y disfrute de la pintura, en esta ocasión me apetecía pintar algo que tuviera mar. Éste es un motivo que me resulta interesante ya que hay una gran variedad de colores por la espuma y los reflejos del cielo y la tierra en el agua, a la vez que hay que captar el movimiento del agua.

Compré una lámina de una obra de Sorolla, pintor que me gusta mucho por la forma tratar la luz y los colores y "manos a la obra". Aquí está el resultado:

Lo terminé en marzo de 2005.

Me resultó interesante y curioso la cantidad de colores que tienen los vestidos blancos de las mujeres. Tienen sombras y además reflejan los colores de lo que le rodea. También me gusta la forma que se refleja el movimiento de las mujeres andando en contra del viento, con los tejidos ondeándose, y el movimiento de las olas.

Hay algo de esta obra que nunca he entendido y es que las olas parecen que están perpendiculares a la orilla. Lo normal es que sean paralelas a la orilla porque es allí a donde van. Me quedo mirando y me pregunto dónde está la orilla. ¿Es posible que hubiera tanto viento que las olas estén un poco giradas? No lo sé, yo lo pinté de la forma más parecida al original que pude.